La música en Brasil se ha desarrolado en dos frentes diferenciados, por una parte, la tradición escrita, de origen europeo, también llamada “erudita” o de “concierto”, y la tradición no escrita, combinación de las músicas europeas, indígenas y africanas, correspondiendo a las múltiples formas de la música popular. Ambas presentan personalidad propia, y en algunos momentos se entrelazan. En Brasil esos encuentros entre lo popular y lo erudito tienen, sin embargo, una importancia específica, ya que en ellos se encuentra, sin duda, la marca genuina de la producción musical brasileña, que la distingue y diferencia de muchas otras, con su propia personalidad.La tradición de la música escrita se desarrolla en los siglos XVI al XVIII, va íntimamente ligada al culto religioso católico y su implantación en un medio no acostumbrado a esta música es lenta. Los lugares principales de penetración son Bahía, Olinda (Pernambuco), Río de Janeiro, São Paulo y Minas Gerais. Los músicos son generalmente artesanos mulatos, reunidos a veces en colegios corporativos. Destaca la música mineira en el siglo XVIII: redescubierta por el musicólogo Curt Lange, esta música muestra un cierto carácter sistemático, por su presencia importante en la cultura local y por los recursos de ejecución movilizados. El traslado de la corte de Don João VI a Brasil, en 1808, motivado por la invasión napoleónica, da impulso a la vida musical en Río de Janeiro, movilizando instrumentistas y coros dedicados prioritariamente a la música religiosa.
En los últimos años del siglo XX, se desarrolla la producción, más propiamente escritural que escrita, con la aparición de la música electrónica y electroacústica. Los orígenes de la música popular o no escrita se remontan a un período de aculturación de elementos portugueses, indígenas y africanos, en los primeros siglos del periodo colonial. Sobre la presencia africana, se debe decir que los contingentes de africanos esclavizados trajeron una infraestructura rítmica relacionada con los gestos danzantes y vocales que pasaron por siglos de sincretismo. Éste, conectado con las estrategias ambivalentes de adaptación y de resistencia del esclavo, así como con una cierta porosidad cultural del esclavismo brasileño, que se prolonga hasta finales del siglo XIX, da el tono a la formación de la música brasileña. La Modinha, reconocible en el siglo XVIII por sus meneos lánguidos y sensuales en los que se mezclan los motivos melódicos sincopados, y el Lundu, género de música danzante oriunda de los batuques africanos, componen el sustrato al mismo tiempo lírico y coreográfico de la música brasileña. Sintomáticamente la modinha, originada en danzas de corte, abrasileñadas en la dicción, en el clima poético y en los diseños rítmico-melódicos, se difunde entre las capas populares, mientras el lundu, intrínsecamente popular en su origen, es adoptado como género instrumental y pasa por un movimiento de relativa asimilación en los medios cultos donde se practica como música instrumental.
La tradición de la samba se desarrolla a lo largo de los años 20 (con Sinhô, João da Baiana, el propio Donga, Pixinguinha), los 30 (con Ismael Silva, Wilson Batista, Noel Rosa, Assis Valente), los 40, (con Dorival Caymmi y Ari Barroso), los 50 (Geraldo Pereira), ganando más que su ciudadanía la condición de emblema, entre pícaro y apologético, de Brasil. Su decantación poética tiene continuidad en la obra de autores contemporáneos, como Chico Buarque y Caetano Veloso, y define el perfil general de la trayectoria de Paulinho da Viola. Bien sea olvidada o retomada por el consumo de masas, vuelve a veces en forma diversificada, como es el caso del "pagode".
El desarrollo de la música popular urbana se produce en estrecha relación con el fenómeno del Carnaval de calle, que gana fuerza con la modernización urbanística de Río de Janeiro, juntando, en una especie de caleidoscopio social la fiesta antes separada de los ricos (en los desfiles y clubes), de los pobres (en los grupos carnavalescos) y de los remediados (en ranchos y blocos). Una parte considerable de las grabaciones de sambas y marchinhas, hasta los años 50, se definían por el espíritu carnavalesco o se destinaban directamente a ese uso. A finales de la década de los años 50, la Bossa Nova revoluciona la música popular brasileña al incorporar armonías complejas de inspiración impresionista o jazzista íntimamente ligadas a melodías matizadas y modulantes, cantadas de modo coloquial y lírico-irónico y con un ritmo que radicalizaba el carácter suspensivamente sincopado de la samba. Esa síntesis resulta especialmente de la poesía de Vinicius de Moraes, de la imaginación melódico-armónica de Tom Jobim y de la interpretación rigurosa de las mínimas inflexiones de la canción y de la solución rítmica encontrada por João Gilberto.
Las décadas posteriores marcan la presencia de continuadores de las conquistas de los años 60, como Luiz Melodia, João Bosco, Djavan, Alceu Valença, surgidos en los años 70, al lado de compositores de música sobre todo instrumental como Hermeto Paschoal y Egberto Gismonti, cantantes como Tim Maia, radicalizadores de las experiencias tropicalistas, como Arrigo Barnabé, que surge al lado de Itamar Assumpção y del grupo Rumo en la tendencia conocida como "vanguardia paulista", grupos de rock brasileño en los años 80, entre los cuales destacan Os Titãs, Paralamas do Sucesso, Legião Urbana, y creadores de nuevas poéticas, en los años 90, como el paulista Arnaldo Antunes (que perteneció a los Titãs), el bahiano Carlinhos Brown y el pernambucano Chico Science (líder del movimiento Mangue Beat, precozmente desaparecido).
Bossa Nova: significa algo así como una nueva "manera", ya usada difusamente, adquiere un nuevo sentido alrededor de 1958. Se trata de una reinterpretación de la samba, dialogando con rasgos de la canción americana, del jazz, del impresionismo francés, llevada a cabo por jóvenes de clase media de la Zona Sur de Río de Janeiro. Entre ellos se incluyen la cantante Nara Leão, Carlos Lira, Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli, Oscar Castro Neves, Silvia Teles, Alaíde Costa, Baden Powell, entre otros. A partir de 1962, después de un Festival de Bossa Nova en el Carnegie Hall, en Nueva York, obtiene gran repercusión e influencia internacional.
Choro: género de música instrumental, muchas veces virtuosístico, tocado, desde finales del siglo XIX, por simples trabajadores en Río de Janeiro, que reinterpretan con un sentido propio de improvisación y ornamentación un repertorio que puede incluir polkas, mazurcas, valses, lundus y maxixes. La formación más tradicional se compone de flauta, cavaquinho y guitarra. Entre los grandes "chorones" están el flautista Joaquim Antonio da Silva Calado (1848-1880), Anacleto de Medeiros (1866-1907), Chiquinha Gonzaga (1847-1935), Sátiro Bilhar (1860-1927), Pixinguinha (1898-1973).
Lundu: danza sincrética basada en los batuques de los esclavos bantos. Por la libertad corporal que supone, fue muchas veces vista como licenciosa e indecente. Las descripciones hablan en gestos que parecen combinar características de fandangos ibéricos (como el estallido de los dedos) con la umbigada (golpe que el danzarín solista da en el ombligo de quien le va a sustituir en los bailes de corro) característicamente africana. Desde finales del siglo XVIII adaptada para saraos de la corte, el lundu tiene éxito como danza de salón. Son variaciones del lundu, la tirana, la chula, el fado, el miudinho y el baiano. Con la llegada de la polka, con el tango y la habanera, con los cuales se funde, el lundu viene a ser el origen del maxixe, el primer género de la música popular urbana moderna, a finales del siglo XIX y principios del XX.
Marchina: género de canción graciosa, en compás binario, desarrollada principalmente entre los años 20 y 50, y destinada al carnaval. Muchas veces humorística y, en ciertos casos, claramente paródica, corresponde ciertamente a un testimonio de la clase media. La pionera del género es "O abre-alas", de Chiquinha Gonzaga (1847-1935), de 1899. Sus cultivadores más característicos son Lamartine Babo (1904-1963) y João de Barro (1907), que trabajaba en colaboración con Alberto Ribeiro (1902-1971).
Maxixe: danza urbana surgida en los bailes populares de Río de Janeiro alrededor de 1875 y que se extendió por los clubes carnavalescos y teatros de revista. Resulta de una apropiación de la polka europea a través de la síncopa afrolusitana, con toques de habanera y de tango. Primera danza popular urbana en Brasil que obtiene alguna repercusión en Europa, en la década de los años 10.
Modinha: la palabra viene de la "moda" portuguesa, tipo de canción de salón basada en fórmulas melódicas posiblemente italianas. Abrasileñada, adquiere una "sensualidad blanda", movimientos sincopados, palabras de gusto tropical y afro-brasileño, además de una carga de lenguaje afectivo, comenzando por el diminutivo aplicado al propio nombre del género, "modinha".
MPB: sigla que se aplicó, en la década de los años 60, al movimiento de canción que sigue a la bossa nova, con autores y públicos en gran parte relacionados con el medio estudiantil, lo que hizo que fuera conocida también como música popular "universitaria". Espectáculos de teatro musical politizado, como el show "Opinião" (que lanzó a la cantante Maria Bethania, en 1965, sustituyendo a Nara Leão, al lado del sambista de Río de Janeiro Zé Kéti y del músico nortista João do Vale) marcaron la época, seguidos de los espectáculos estudiantiles y de los famosos festivales de la canción promocionados por la televisión, entre los años 1965 y 1969. La MPB desdobla elementos creados por la bossa nova, dirigidos por una temática muchas veces relacionada con la crítica de la injusticia social y de la represión dictatorial.
gesto de la umbigada, y se generaliza en el siglo XIX como designativo de danza y baile popular en general. A finales de la década de 1910, sin embargo, el samba urbano, que viene de la danza de corro popular en Río de Janeiro, enriquecida por el aporte de contingentes de negros de origen bahiano, cobra un formato adaptado a las necesidades de los medios de masas emergentes. Los estribillos colectivos, alternados con estrofas de improvisación individual, se convierten eSamba: según se supone, la palabra "samba" vendría del quimbundo "semba", refiriéndose aln canciones de autor que sintetizan rítmicamente todo el proceso de sincopación que ha venido desarrollando, de manera anónima y secular, del lundu al maxixe.
La instrumentación, además de la guitarra y del cavaquinho, desarrolla una gama percusiva que incluirá progresivamente pandero, tamborim (especie de pequeña guitarra), zambomba, sordo y cajas. La samba se constituyó, según José Ramos Tinhorão, a medida que entramos en la década de los años 20, en el ritmo que establece el denominador común entre el carnaval de los pobres, de los ricos y de los remediados, convirtiéndose en un medio de representación al mismo tiempo popular y moderno de Brasil. Lo que se institucionalizará como una forma de ciudadanía de la cultura popular de origen africano, transitando entre la malandragem, por una parte, y la apología de los dones carnavalescos y festivos de Brasil, por otra.
Los desfiles carnavalescos, que adquieren magnitud y grandilocuencia, en la primera mitad de la década de los años 40, fortalecerán las "escuelas de samba", comunidades de populares dedicadas a la samba y que viven su gran momento en la competición de los desfiles de carnaval hasta nuestros días.
La tradición de la samba se desarrolla a lo largo de los años 20 (con Sinhô, João da Baiana, el propio Donga, Pixinguinha), los 30 (con Ismael Silva, Wilson Batista, Noel Rosa, Assis Valente), los 40, (con Dorival Caymmi y Ari Barroso), los 50 (Geraldo Pereira), ganando más que su ciudadanía la condición de emblema, entre pícaro y apologético, de Brasil. Su decantación poética tiene continuidad en la obra de autores contemporáneos, como Chico Buarque y Caetano Veloso, y define el perfil general de la trayectoria de Paulinho da Viola. Bien sea olvidada o retomada por el consumo de masas, vuelve a veces en forma diversificada, como es el caso del "pagode".
El desarrollo de la música popular urbana se produce en estrecha relación con el fenómeno del Carnaval de calle, que gana fuerza con la modernización urbanística de Río de Janeiro, juntando, en una especie de caleidoscopio social la fiesta antes separada de los ricos (en los desfiles y clubes), de los pobres (en los grupos carnavalescos) y de los remediados (en ranchos y blocos). Una parte considerable de las grabaciones de sambas y marchinhas, hasta los años 50, se definían por el espíritu carnavalesco o se destinaban directamente a ese uso. A finales de la década de los años 50, la Bossa Nova revoluciona la música popular brasileña al incorporar armonías complejas de inspiración impresionista o jazzista íntimamente ligadas a melodías matizadas y modulantes, cantadas de modo coloquial y lírico-irónico y con un ritmo que radicalizaba el carácter suspensivamente sincopado de la samba. Esa síntesis resulta especialmente de la poesía de Vinicius de Moraes, de la imaginación melódico-armónica de Tom Jobim y de la interpretación rigurosa de las mínimas inflexiones de la canción y de la solución rítmica encontrada por João Gilberto.
Las décadas posteriores marcan la presencia de continuadores de las conquistas de los años 60, como Luiz Melodia, João Bosco, Djavan, Alceu Valença, surgidos en los años 70, al lado de compositores de música sobre todo instrumental como Hermeto Paschoal y Egberto Gismonti, cantantes como Tim Maia, radicalizadores de las experiencias tropicalistas, como Arrigo Barnabé, que surge al lado de Itamar Assumpção y del grupo Rumo en la tendencia conocida como "vanguardia paulista", grupos de rock brasileño en los años 80, entre los cuales destacan Os Titãs, Paralamas do Sucesso, Legião Urbana, y creadores de nuevas poéticas, en los años 90, como el paulista Arnaldo Antunes (que perteneció a los Titãs), el bahiano Carlinhos Brown y el pernambucano Chico Science (líder del movimiento Mangue Beat, precozmente desaparecido).
Bossa Nova: significa algo así como una nueva "manera", ya usada difusamente, adquiere un nuevo sentido alrededor de 1958. Se trata de una reinterpretación de la samba, dialogando con rasgos de la canción americana, del jazz, del impresionismo francés, llevada a cabo por jóvenes de clase media de la Zona Sur de Río de Janeiro. Entre ellos se incluyen la cantante Nara Leão, Carlos Lira, Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli, Oscar Castro Neves, Silvia Teles, Alaíde Costa, Baden Powell, entre otros. A partir de 1962, después de un Festival de Bossa Nova en el Carnegie Hall, en Nueva York, obtiene gran repercusión e influencia internacional.
Choro: género de música instrumental, muchas veces virtuosístico, tocado, desde finales del siglo XIX, por simples trabajadores en Río de Janeiro, que reinterpretan con un sentido propio de improvisación y ornamentación un repertorio que puede incluir polkas, mazurcas, valses, lundus y maxixes. La formación más tradicional se compone de flauta, cavaquinho y guitarra. Entre los grandes "chorones" están el flautista Joaquim Antonio da Silva Calado (1848-1880), Anacleto de Medeiros (1866-1907), Chiquinha Gonzaga (1847-1935), Sátiro Bilhar (1860-1927), Pixinguinha (1898-1973).
Lundu: danza sincrética basada en los batuques de los esclavos bantos. Por la libertad corporal que supone, fue muchas veces vista como licenciosa e indecente. Las descripciones hablan en gestos que parecen combinar características de fandangos ibéricos (como el estallido de los dedos) con la umbigada (golpe que el danzarín solista da en el ombligo de quien le va a sustituir en los bailes de corro) característicamente africana. Desde finales del siglo XVIII adaptada para saraos de la corte, el lundu tiene éxito como danza de salón. Son variaciones del lundu, la tirana, la chula, el fado, el miudinho y el baiano. Con la llegada de la polka, con el tango y la habanera, con los cuales se funde, el lundu viene a ser el origen del maxixe, el primer género de la música popular urbana moderna, a finales del siglo XIX y principios del XX.
Marchina: género de canción graciosa, en compás binario, desarrollada principalmente entre los años 20 y 50, y destinada al carnaval. Muchas veces humorística y, en ciertos casos, claramente paródica, corresponde ciertamente a un testimonio de la clase media. La pionera del género es "O abre-alas", de Chiquinha Gonzaga (1847-1935), de 1899. Sus cultivadores más característicos son Lamartine Babo (1904-1963) y João de Barro (1907), que trabajaba en colaboración con Alberto Ribeiro (1902-1971).
Maxixe: danza urbana surgida en los bailes populares de Río de Janeiro alrededor de 1875 y que se extendió por los clubes carnavalescos y teatros de revista. Resulta de una apropiación de la polka europea a través de la síncopa afrolusitana, con toques de habanera y de tango. Primera danza popular urbana en Brasil que obtiene alguna repercusión en Europa, en la década de los años 10.
Modinha: la palabra viene de la "moda" portuguesa, tipo de canción de salón basada en fórmulas melódicas posiblemente italianas. Abrasileñada, adquiere una "sensualidad blanda", movimientos sincopados, palabras de gusto tropical y afro-brasileño, además de una carga de lenguaje afectivo, comenzando por el diminutivo aplicado al propio nombre del género, "modinha".
MPB: sigla que se aplicó, en la década de los años 60, al movimiento de canción que sigue a la bossa nova, con autores y públicos en gran parte relacionados con el medio estudiantil, lo que hizo que fuera conocida también como música popular "universitaria". Espectáculos de teatro musical politizado, como el show "Opinião" (que lanzó a la cantante Maria Bethania, en 1965, sustituyendo a Nara Leão, al lado del sambista de Río de Janeiro Zé Kéti y del músico nortista João do Vale) marcaron la época, seguidos de los espectáculos estudiantiles y de los famosos festivales de la canción promocionados por la televisión, entre los años 1965 y 1969. La MPB desdobla elementos creados por la bossa nova, dirigidos por una temática muchas veces relacionada con la crítica de la injusticia social y de la represión dictatorial.
gesto de la umbigada, y se generaliza en el siglo XIX como designativo de danza y baile popular en general. A finales de la década de 1910, sin embargo, el samba urbano, que viene de la danza de corro popular en Río de Janeiro, enriquecida por el aporte de contingentes de negros de origen bahiano, cobra un formato adaptado a las necesidades de los medios de masas emergentes. Los estribillos colectivos, alternados con estrofas de improvisación individual, se convierten eSamba: según se supone, la palabra "samba" vendría del quimbundo "semba", refiriéndose aln canciones de autor que sintetizan rítmicamente todo el proceso de sincopación que ha venido desarrollando, de manera anónima y secular, del lundu al maxixe.
La instrumentación, además de la guitarra y del cavaquinho, desarrolla una gama percusiva que incluirá progresivamente pandero, tamborim (especie de pequeña guitarra), zambomba, sordo y cajas. La samba se constituyó, según José Ramos Tinhorão, a medida que entramos en la década de los años 20, en el ritmo que establece el denominador común entre el carnaval de los pobres, de los ricos y de los remediados, convirtiéndose en un medio de representación al mismo tiempo popular y moderno de Brasil. Lo que se institucionalizará como una forma de ciudadanía de la cultura popular de origen africano, transitando entre la malandragem, por una parte, y la apología de los dones carnavalescos y festivos de Brasil, por otra.
Los desfiles carnavalescos, que adquieren magnitud y grandilocuencia, en la primera mitad de la década de los años 40, fortalecerán las "escuelas de samba", comunidades de populares dedicadas a la samba y que viven su gran momento en la competición de los desfiles de carnaval hasta nuestros días.
He aquí el embrujo y mérito de un chico que callejeó bastante durante su infancia en Córdoba y después en el barrio popular madrileño de Lavapiés. Como dice él, “medio moro y medio gitano” –la familia de su padre es de Málaga y de Tetuán-, hasta los once años vivió con sus abuelos. Pero dejó de ser un macarrilla gracias a la influencia de su tío Cristóbal Reyes, bailarín profesional, que le metió en la cabeza que tenía que empezar clases de danza a los doce años.
La Marinera es el Baile Nacional del Perú. Tiene sus origenes en el simbolismo y leyenda, nacida en un ambiente criollo de mucha peruanidad. La historia dice que los españoles al llegar al Perú encontraron al norte de Lima en el hoy territorio de los departamentos de la Libertad y Lambayeque, sobre la costa del Océano Pacífico, un baile a quien los nativos llamaban "Baile de Tierra Baja" (Marinera) y "Baile de Tierra Alta" (Tondero).
na es más sencilla y con más saltos, más parecida al Tondero. La Marinera Serrana (Sur y Andina) que tiene más influencia del Huayno. Generalmente en tono menor, con movimientos lentos, se repite dos veces y termina en fuga de Huayno. Tiene más elementos de mixtura (Mestizaje) tanto en sus pasos como en el vestuario e instrumentos, tales como Arequipa, Cajamarca, Ayacucho, Ancash. Todas tienen tanto semejanzas como diferencias entre sí, dependiendo de las influencias españolas, negroides y andinas de cada sector o región. Lo picaresco y gracia de la música con la intención burlesca de la letra unida a los típicos giros que incita a la alegre melodía, al mismo tiempo que la complejidad del ritmo es ejecutada es reenforzada por el criollo cajón. Inclusive en la coreografía queda establecida la influencianegroide, donde el hombre corteja y acosa mientras la mujer esquiva, desdeña y provoca. La música de la Marinera es tradicionalmente acompañada por un grupo de cuatro guitarristas con guitarras españolas (dos de los cuales cantan), el cajón criollo, las cucharas y las palmas de todos los presentes. La glosa consta de cuatro cuartos. El primer cuarto se habla del motivo, es la base de la canción. La coreografía esta compuesta de: espera, paseo, vuelta a la derecha, avance, coqueteo, pase, cambio, vuelta a la izquierda y a la derecha, escobillado, vuelta final y pase.
(La Habana, 1924 - Fort Lee, Estados Unidos, 2003) Conocida como "La Reina de la Salsa", "La Guarachera de Oriente", Celia Cruz comenzó su carrera artística en La Habana, luego de haber ganado un concurso para nuevos talentos conocido como "La hora del té". Y junto con ese grupo abandonó la Cuba revolucionaria de Fidel Castro en julio de 1960 para radicarse en Estados Unidos, fue una de las primeras artistas que abandono la isla. La carrera de Celia Cruz abarca casi medio siglo, mas de 70 grabaciones, un premio Grammy y múltiples nominaciones. A través de la década de 1980 y 1990 la fama y su calidad interpretativa la llevaron a incursionar en el cine con papeles en películas como The Pérez Family y The Mambo King. Y en novelas para la televisión de México cuyo ultimo trabajo fue en El Alma no tiene Color" que tubo una gran audiencia en todo el continente. Ha recibido mas de 100 premios, incluyendo un doctorado honorario en la Universidad de Yale, una estrella en Hollywood Boulevard y un reconocimiento de Nacional Endowment for the Arts. Durante su larga trayectoria, Celia Cruz ha grabado 76 álbumes, en compañía de los salseros más reconocidos a nivel mundial. El sello discográfico RMM presentó a la prensa mundial el nuevo trabajo de Celia Cruz titulado "Mi Vida Es Cantar" (la vemos en la foto mientras hacia la presentación) en una animada tarde en el Fashion Café situado en pleno corazón de Manhattan. Este nuevo disco ha sido producido 
Will.I.Am (Will Adams), y Apl.de.Ap (Allan Pineda Lindo) se conocieron en 1989, empezaron a tocar juntos y a hacerse un sitio y un nombre en el mundo del hip-hop, pero tras un fallido contrato con la discográfica Ruthless deciden incorporar un nuevo miembro, Taboo (Jaime Luis Gomez). Firman un contrato con Interescope Records y en 1998 llega su debut, “Behind the front” con la colaboración de Macy Gray, que también repetiría colaboración en su siguiente trabajo “Bridging the gap”, disco que se sale de la moda hiphopera y que les abre un nuevo abanico de público. En el 2003 sale su tercer album “Elephunk”, y también una nueva incorporación a la banda: Fergie. Este tercer álbum tiene colaboraciones tan chocantes como el grupo de metal Papa Roach, el brasileño Sergio Mendes o Justin Timberlake. Desde que se formaron el Los Ángeles, este grupo siempre se ha demostrado una pasión desmesurada por el espíritu, energía y todo lo que representa la música y la cultura hip-hop, aunque con un estilo con las puertas abiertas a otras influencias. Su último trabajo “Monkey busines”, ensalza la pasión que tienen para hacer música juntos y para hacer que la gente disfrute escuchándoles.
Sean Paul nació el 8 de enero de 1973 a Kingston (Jamaica) de una madre de orígenes china y de un padre Oporto-jamaïcain. Crece en una familia fácil y se interesa por el deporte (water-polo) que practica a un nivel internacional de 16 a 19 años. Pero la pasión de la música lo recupera y Sean pone un término a su carrera deportiva para consagrarse al dancehall. Su primer individual ("Niño Girl") sale en 1996 y encuentra inmediatamente el éxito. Los hits se conectan y finalmente en 2000 sale su primer álbum, "Período de prácticas One", que hace un verdadero cartón en los Estados Unidos. Se clasifica a sean tercer artista Reggae del año y su álbum lo obtiene lo también un excelente lugar (4.o), se lanza definitivamente su carrera. ¡Sean confirma todo el bien que se piensa él en 2003 con la salida de "Dutty Rock" luego en 2005 con un tercer álbum "The Trinity" un tornado sonoro y verbal que juega sobre el cruce de los estilos, entre soul e hip-hop, pero siempre muy re, ragga, dancehall que !
Alejandro Sánchez Pizarro nació en Madrid el 18 de Diciembre de 1968.Tiene por nombre artístico Alejandro Sanz. Sus padres Jesús Sánchez Madero y María Pizarro Medina, naturales, respectivamente, de las localidades gaditanas de Algeciras y Alcalá de los Gazules. Llevaban ya una temporada instalados en el madrileño barrio de Pueblo Nuevo, y luego se mudan a Mortalaz. Su afición viene de herencia, ya que su padre; Jesús Sánchez Madero formo parte de dos grupos musicales. A temprana edad empezó su pasión por la música ya que con siete años comienza a tocar la guitarra y le servió de mucho, su perseverancia hizo de él uno de los mejores cantantes de España y el mundo. Su auténtico despegue se da en 1991, cuando firma con el sello Warner y graba el disco "Viviendo deprisa", con 10 canciones de su autoría y bajo la producción de Nacho Maño y Miguel Angel Arenas. De esta producción destacarían "Los dos cogidos de la mano" y sobre todo "Pisando fuerte". Su estilo comenzó siendo de cantante de baladas de voz rota, dirigido principalmente al público femenino. Para su segunda producción repetiría la dupla en la producción y se confirmaría como autor en composiciones como "Si tú me miras" y "Cómo te echo de menos". Tras el éxito que supuso esta producción, en 1994 grabaría un especial acústico con 5 canciones de ambos discos; esta producción en compañía de Los 40 principales se llamaría "Básico". En 1995, el single La Fuerza del Corazón hizo de este madrileño una figura conocida en varios países. A raíz de su álbum Más y principalmente del éxito de su canción Corazón partío, su consideración popular cambió radicalmente y su público se amplió a personas de todas las edades y de ambos sexos, y pasó a ser uno de los artistas más conocidos de España. En sus últimos discos su sonido se ha ido alejando más y más del sonido pop original, acercándose poco a poco al flamenco y otros sonidos más mediterráneos.
Caetano Veloso nació en 1942 en Bahía (Brasil). Siendo todavía pequeño, su familia se mudó a Salvador, donde con el tiempo ingresó en la universidad para cursar estudios de arte.
No encontre mucha información sobre la biografía de Daniel F. así que saqué la información de wikipedia. Daniel F (Lima, 4 de enero de 1961), seudónimo de Daniel Augusto Valdivia Fernandez es un cantante y compositor de la banda Leusemia, existente desde 1983 en la escena underground del rock. Popularizó el punk en el Perú. Hoy sus álbumes recorren el rock progresivo (Hospicios, con leusemia), el heavy metal y la nueva trova (en su carrera en solitario).Es hincha del Sport Boys del Callao.Ademas tiene un amigo que estudia ciencias de la comunicacion en la universidad de huacho y su nombre el simpre lo recuerda en cada concierto Emanuel Luis Mellado.
Motel tiene sus incios en la Ciudad de Mexico en el año 2002, cuando 2 de los integrantes se reunen para componer sin mayor pretensión que la de divertirse y hacer buena música. Estos dos integrantes eran Billy Mendez (Guitarra), que desde muy joven empezó a tener contacto con todo tipo de infuencias en intrumentos y que encontró en la guitarra a su instrumento ideal; y Rodrigo Dávilo (vocalista), quién desde su niñez formó parte de varias bandas experimentales.
Cuando uno habla con Pedro Suárez Vértiz, al principio llama la atención su aire desenfadado, su conversación y su aspecto distraído, pero detrás de esa imagen, guarda opiniones muy particulares sobre la vida, la fama y la música. Habló a los nueve meses de nacido y cantaba HEY JUDE de THE BEATLES antes de aprender a caminar, aún no iba al colegio pero ya tocaba el piano y la guitarra, amante de las películas musicales y el ROCK'N'ROLL de los 50. De familia descendiente de grandes pintores, escultores, artistas plásticos, poetas y escritores, PEDRO escribía narraciones desde muy niño y pintaba muy bien, hasta que vio por televisión la película A HARD DAY'S NIGHT lo que lo hizo inclinarse por la composición musical. Pedro Suárez Vértiz, es acuario y nació un 13 de Febrero, pianista de vocación, sabía que no podía manejar mucho al público estando postrado frente a un piano. Ya adolescente descubre la guitarra y a los Rolling Stones que terminaron por transtornar al precoz artista. Pedro Suárez Vértiz, siempre bueno en los estudios, pero descalificado en conducta. Sus profesores se desubicaban con sus rebuscadas preguntas y composiciones surrealistas por el Día de la Madre, del Padre, etc. Generalmente sus padres eran citados para hablar sobre la extraña originalidad de su hijo. A los 7 años de edad, en cuarto grado de primaria, compuso por el Día de la Madre un relato sobre las reflexiones de Embrión a feto y la Magia sobre el Nacer.
Gian Marco Javier Zignago Alcóver cantante peruano. Tiene reconocimiento y prestigio como cantante por vender miles de copias de álbumes de cuyas canciones es autor en su mayoría. Ganador del Grammy Latino 2005 al mejor álbum Cantautor y nombrado embajador de buena voluntad en el Perú por UNICEF son alguno de los reconocimientos obtenidos en sus más de 15 años de trayectoria profesional. Su madre es la conocida actriz y cantante peruana, Regina Alcóver Ureta, y su padre, el difunto compositor y cantante peruano Javier Zignago, conocido en el ambiente musical como "Joe Danova". Con sólo dos años de edad cantó por primera vez en televisión en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, en el programa Domingos Gigantes, bajo la conducción de Orlando Marconi. Un año después, canta en Caracas, Venezuela, en el programa La Revista de los Sábados. La audiencia televisiva disfrutó impresionada de un niño de tres años que cantaba una canción de moda titulada Eva María. Gian Marco estudio primaria y secundaria en el colegio Santa Margarita en el afluente barrio de Monterrico en Lima, Perú.
La versatilidad de su voz le permite interpretar lo mismo un vals, un festejo o un landó. Ella marca una época, es el final y el comienzo. De Eva Ayllón se podría decir muchas cosas. Nació para el canto y con el solo gorgojear de su garganta nos enamora, nos seduce y nos convence de su extraordinaria calidad. A base de trabajo y dedicación se ha convertido en la cantante que más discos vende en el Perú, prueba de ello son los discos de oro y platino que ha recibido de su disquera.